Shakespeare,Molière, Marivaux

Shakespeare, Molière, Marivaux… Tous censurés, pourquoi ?

En plus des cours de théâtre, la compagnie propose ponctuellement dans l’année différents stages.

« Mettez l’action d’accord avec la parole, la parole d’accord avec l’action, en vous appliquant spécialement à ne jamais violer la nature ; car toute exagération s’écarte du but du théâtre qui, dès l’origine comme aujourd’hui, a eu et a encore pour objet d’être le miroir de la nature, de montrer à la vertu ses propres traits, à l’infamie sa propre image, et au temps même sa forme et ses traits dans la personnification du passé. »

Des auteurs emblématiques… Des textes classiques… Des siècles différents… Des censures… Pourquoi ?

Des acteurs… Des jeux… Des jongleries… Un rapport au public… Une multiplicité de sens et de pertinences… Des provocations… Comment faire ?

Quoi ?

Shakespeare, Molière et Marivaux… XVIème, XVIIème et XVIIIème siècle… Qu’ont-ils en commun ? La volonté de divertir, provoquer, interroger et proposer de nouveaux paradigmes en rapport direct avec le public. A force d’en jouer et de la déjouer, ils ont tous subis un moment donné la censure de leur époque. Ces écritures, toutes basées sur l’écriture de plateau, c’est-à-dire d’improvisations avec les comédiens, sont encore jouées aujourd’hui. Pourquoi ? Parce qu’elles ont un propos universel, et que les interactions humaines racontées au travers de ces pièces restent quelque part inchangées.

Nous ferons quelques trainings en groupe pour établir des gammes et un langage commun. Et surtout, énormément de direction d’acteur sur des scènes (choisies en amont par le pédagogue), au segment près, pour pousser les participant(e)s à aller plus loin dans l’interprétation des scènes et agrandir leur capacité de jeu et d’analyse.

1^er jour : Aborder la matière

– La matière organique de l’acteur : Utiliser son corps, le modeler, l’animer, le rythmer, le danser… Utiliser sa voix, ses sons… Développer sa souplesse et agrandir le registre de son propre instrument, toujours.

– La matière textuelle des scènes choisies : lectures des scènes préalablement choisies. Mise en voix, manducation. Distribution des rôles aux participants.

– Analyse et décryptage des scènes : Personnages, situations, circonstances données. Nous chercherons pratiquement la structure et les différents jeux possibles de chaque scène en partant d’improvisations.

Nous analyserons les points communs et les différentes manières de raconter, propres à chaque auteur et chaque siècle.

2^ème jour : Expérimenter la matière 

– Jouer les scènes : Jouer les personnages, les situations, le texte de plusieurs manières différentes. Chercher de multiples variations et s’approcher petit à petit de la justesse d’interprétation.

– Jouer avec le public : Intégrer le rapport au public, la complicité avec lui, s’adresser à lui et vivre ce qui se raconte au moment présent. Cette connivence, ce « clin d’œil », cette provocation pour s’amuser ensemble et jouer avec le phénomène de distance.

3^ème jour : Jongler avec la matière

– L’étirement du jeu : chercher les bâtelages, les systèmes d’actions, les improvisations, les sketchs, qui permettent de justifier le texte. L’étirement du jeu rend le récit épique et extraordinaire.

– La forme de jeu: Utiliser la forme de jeu (farce, clown, commedia, burlesque, tragédie) pour dépasser la compréhension primaire et ajouter une vapeur, une intention de plus.

– La représentation théâtrale : Analyser le multiple d’un récit. La notion de représentation, au sens que l’on sait qu’on est au théâtre et que l’on représente un récit à un public. Jouer avec nos référents et notre mémoire collective.

Pourquoi ?

Pour ce stage, l’intention est de retrouver les mécaniques et formes de jeu (commedia dell’arte, farce, tragédie, burlesque, …) qu’il faut pratiquer pour comprendre pratiquement la manière de raconter de ces auteurs classiques, et les censures de chaque époque.

Retrouver les jeux, les sketchs, les jongleries qui poussent le texte et permettent de faire émerger la multiplicité de sens de ces extraits de pièces.

Retrouver la notion de rapport au public, perdu au XIXème siècle avec l’arrivée du mélodrame, qui permet la distance, la pertinence, la conscience et l’humour de ce qui est raconté en temps réel.

C’est aussi un moyen de resituer nos fondamentaux techniques communs et de réinterroger l’analyse d’une pièce, d’une écriture, d’un discours. Et peut-être aussi décrypter la censure actuelle, et s’interroger sur le rôle de notre art vis-à-vis d’elle.

Et enfin, bien sûr, donner des pistes de travail pour les comédiens et comédiennes qui souhaitent travailler ces auteurs classiques.

« Maintenant, si l’expression est exagérée ou affaiblie, elle aura beau faire rire l’ignorant, elle blessera à coup sûr l’homme judicieux dont la critique a, vous devez en convenir, plus de poids que celle d’une salle entière. »

Qui ?

– Avec qui : Benjamin George, comédien, metteur en scène, directeur d’acteur et professeur d’art dramatique.

Il crée la compagnie Enchântier Théâtre en 2004 à Bordeaux.

Formé par Luc Faugère à « Temps d’M espace pour l’acteur », il fait également divers stages avec d’autres formateurs pour améliorer sa technique et son savoir-faire. Textes classiques et contemporains, improvisations, clown, bouffon, mélodrame, acting, métiers de la voix off, danse… Fort de tout ces entraînements, il devient un acteur-conteur-danseur-lecteur-diseur-farceur-décrypteur.

Adepte du travail en seul en scène, il a créé, au sein de sa compagnie Don Juan : Variation pour un acteur(Molière joué par un comédien), Prétextes (écriture de plateau autour de Shakespeare), Prévert et Moi(création poétique et musicale). Il travaille aussi en duo le conte avec Ici et Partout (contes du monde entier) et décrypte Jean de La Fontaine avec La Fontaine Fabulé (enquête sur les fables).

Aussi, Il met en scène des spectacles et fait de la direction d’acteur avec des comédiens et comédiennes issues de différents univers depuis une vingtaine d’année. Il a notamment mis en scène La Dispute de Marivaux. 

Il donne également des cours de théâtre depuis plusieurs années.

Benjamin utilise la multiplicité des techniques de jeu (acting, jeu des masques, commedia dell’arte, formes de jeu, et bien d’autres…) issues de multiples pédagogies (Stanislavski, Dario Fo, Tcheckov et bien d’autres…). 

Pour lui, la recherche du détail et la précision infime du comment faire sont les atouts principaux et les résultantes d’un beau travail d’acteur et d’actrice.

Pour qui ?

Ce stage s’adresse aux professionnels du spectacle vivant (comédiens, circassiens, danseurs, musiciens, etc…) et aux amateurs confirmés ayant déjà une pratique du théâtre.